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Questo quinto numero di "Momenti" è
il catalogo della mostra di Eugenio Bolley L’elicotterorosa, allestita
dalla Fondazione Ferrero, e dedicata alla memoria di Arturo Buccolo,
collaboratore della Fondazione scomparso prematuramente il 5 maggio
2000. |
| Bolley: la quadratura del cerchio Francesco Poli |
| Su Bolley personaggio
e sulla sua produzione artistica, ormai più che trentennale, hanno
scritto moltissimi critici d’arte e anche molti letterati, musicologi,
giornalisti, scienziati, tutte persone che se non erano già suoi
amici lo sono poi diventati. Era destino che arrivasse anche il mio turno:
di scrivere su questo artista (e di iniziare un’amicizia). Devo dire
che l’aspetto più complesso, e dunque anche più intrigante,
che si presenta a chi si accinge a un compito del genere, è quello
di riuscire a mettere a fuoco in modo corretto e equilibrato il rapporto
tra la sua opera, pittorica e scultorea, e la sua personalità,
caratterizzata da un’irriducibile esigenza di libertà individuale,
da una carica di simpatia immediata e, soprattutto, da una profonda tensione
religiosa e umanitaria (di matrice cristiana-evangelica). Quest’ultima,
è bene precisarlo, non ha alcuna valenza confessionale, ma è
finalizzata principalmente a scopi umanitari concreti, e cioè all’obiettivo
di aiutare il più possibile chi si trova, per un motivo o per l’altro,
in situazioni veramente difficili. Aiutare gli altri per sentirsi meglio
dentro: dunque una forma superiore di egoismo (nel senso positivo del
termine). E Bolley ha trovato, per così dire, la "quadratura
del cerchio", riuscendo ad armonizzare al meglio le spinte narcisistiche
tipiche dell’artista con l’esigenza etica di una morale fondata
sull’altruismo, attraverso una scelta intelligente e impegnativa:
utilizzare i risultati della sua creatività, e cioè i suoi
quadri e le sue sculture, come capitale da investire in opere di bene.
In sostanza, lo sforzo costante dell’artista è quello di tentare
di far coincidere etica ed estetica, quantomeno a livello di personale
esperienza esistenziale. A questo punto dobbiamo incominciare a prendere in considerazione, in modo specifico, il suo lavoro artistico, che si presenta con caratteristiche abbastanza singolari. Per Bolley, autodidatta di talento, l’arte è stata una scelta di vita, un impegno e una passione totalizzanti che gli hanno consentito, a partire dal 1973, di cambiare radicalmente le proprie condizioni di esistenza: da cittadino torinese, attivo professionalmente in un’industria, ad abitante in pianta stabile dell’alta Valle di Susa, e precisamente di Bardonecchia. Un ritorno alla natura, alle montagne della sua infanzia, che ha significato la possibilità di portare avanti con la massima libertà e concentrazione la sua avventura creativa. Una scelta che non è una "fuga dalla civiltà", ma una ricerca di un equilibrio esistenziale più autentico. «La Valle di Susa – come ha scritto giustamente Paolo Gallarati – rappresenta per Bolley un ambiente d’elezione, il naturale interlocutore di una personalità che rifiuta i radicalismi e gli eccessi, e mira a un equilibrio nutrito da una spiccata tendenza al lirismo contemplativo». E per dirla con l'artista, una condizione di operatività basata sull’osservanza delle regole nella libertà e sulla libertà nell'osservanza delle regole. Fin dall'inizio, la sua pittura si connota attraverso un linguaggio di impronta serenamente ludica, come una nitida narrazione con valenze fantastiche. |
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Il domatore di pulci |
Punti di partenza emblematici in questo senso sono due quadri ancora chiaramente figurativi: Il domatore di pulci (1972), in cui si vede un personaggio con un filo teso fra le mani intento a "domare" inesistenti insetti, e Il filosofo (1972), dove una figura su una scala contempla in silenzio il cielo stellato. In entrambi i casi si può ipotizzare che si tratti di "autoritratti" immaginari, in cui l'artista si presenta a chi guarda come uno stimolatore di fantasie e sogni. Fanno sempre parte di questa prima fase del suo lavoro alcuni paesaggi quasi astratti, come per esempio Pensando a Klee (Madre montagna) (1975) o Si fa sera sulle rocce (1976-1981), e i dipinti quasi surreali del ciclo dei Mangianuvole, con intenti ecologici. A partire dalla fine degli anni Settanta, la sua ricerca si sviluppa decisamente in direzione più astratta (senza per questo escludere a priori eventuali emergenze figurali), e precisamente in termini di invenzione inesauribile di nuove textures geometriche e di scritture e alfabeti fantastici. |
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| Nasce così un mondo proliferante di segni, di ritmi, contrappunti e armonie; composizioni che danno vita a campi decorativi all over di grande freschezza e suggestione cromatica, dove l’intenzionale riduzione alla bidimensionalità della superficie, e dunque l’annullamento di ogni illusione virtuale tridimensionale, enfatizza con efficacia il senso autentico della spazialità pittorica. È una pittura che gioca con i suoi elementi primari di espressività, in chiave liberamente geometrizzante, ma senza rigidità freddamente razionali. Bolley è stato definito “poeta matematico”, ma la sua “matematica” è di radice musicale e lirica; è l’utilizzazione di una logica compositiva che si apparenta a quella delle partiture musicali, piuttosto che a quella del neoplasticismo e astrattismo geometrico che ha in Mondrian il suo punto di partenza. | ||
E quindi, non a caso, i principali riferimenti nella storia dell’arte contemporanea sono, da un lato, per quello che riguarda i grandi maestri delle avanguardie, innanzitutto Paul Klee, geniale affabulatore razionale fantastico e inventore di scritture di sogni e di musiche segrete dell’inconscio, e poi anche il Kandinskij degli anni Venti e Trenta e, per certi aspetti (quelli più surreali), Miró; e dall’altro lato, artisti italiani come Licini, con le sue Amalasunte che volano nei ridotti ma infiniti spazi delle sue tele, come Capogrossi con il suo affascinante alfabeto primordiale di segni a forchetta, che non vogliono significare nulla di preciso nella loro utopica tensione verso la ricerca del senso misterioso dell’enigma originario dell’esistenza. Bolley ha imparato molto da questi artisti e forse anche da altri (mi vengono in mente per esempio i nomi di Carla Accardi, Achille Perilli, e anche per certi versi il Dubuffet dell’ultima fase), ma la sua attitudine operativa rimane comunque estremamente libera, senza particolari preoccupazioni di inserimento in questa o quella tendenza, senza ambizioni di confrontarsi in modo diretto con l’attualità più stretta della ricerca artistica. Questo atteggiamento, che potrebbe essere un limite, rappresenta invece in un certo senso un dato positivo. |
Il poeta matematico |
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| Essere fuori dalla bagarre
del sistema dell’arte consente di sviluppare il proprio lavoro con
una serenità particolare, con una tensione creativa che può
produrre sorprese interessanti. Bolley ha scelto di vivere in una dimensione culturale e geografica eccentrica, a suo modo spiazzante, dato che è riuscito, per esempio, a costruire un collegamento direi inedito fra le montagne della Valle di Susa e il Fujiyama, sulle cui pendici ha soggiornato, nel 1987, per qualche mese, ricavandone suggestioni profonde. L’esperienza giapponese, in effetti, è stata preziosa per l’artista perché gli ha consentito di approfondire la sua ricerca sul rapporto organico e essenziale fra segno pittorico e scrittura, e gli ha permesso di dar vita a una serie di opere nuove come quelle intitolate Il giardino delle parole. Ma Bolley non è soltanto pittore, è anche, dall’inizio degli anni Ottanta, scultore. Questa pratica rappresenta, a mio avviso, qualcosa di relativamente diverso rispetto a quella pittorica, anche se lo spirito ludico rimane una costante di fondo. Attraverso la scultura, da intendersi come specificamente caratterizzata nel senso dell’assemblaggio, Bolley dà sfogo al suo talento di bricoleur, al piacere anche un po’ infantile di dar vita a forme e congegni funzionalmente inutili ma esteticamente suggestivi e stimolatori di immaginazione poetica. Le sue sculture, in cui si può sentire un’eco della produzione dadaista e surrealista di oggetti e di macchine inutili, si possono dividere in due filoni principali: il primo è quello, legato alla natura e alla civiltà contadina, di cui fa parte la numerosa schiera degli Urogalli, e il secondo è quello che fa riferimento, in modo ironicamente ludico, al mondo della tecnologia meccanica. Gli Urogalli (battezzati così di comune accordo con l'amico scrittore Mario Rigoni Stern) sono realizzati con zappe e altri utensili contadini di montagna, recuperati con accurate ricerche nei paesi della valle segusina. A mio avviso sono, nel loro fascino antico e nella loro tensione formale, tra i lavori più significativi in assoluto dell’artista. Gli Elicotteri, la bizzarra serie della Testa Rossa, e la divertita ricostruzione di una Ferrari Pronta per non correre (1988) in grandezza naturale, rappresentano, senza cattiveria ma con chiarezza, una singolare denuncia contro i rischi di un coinvolgimento totalizzante nella cosiddetta civiltà delle macchine. Bolley, per queste sculture, recupera ogni sorta di residuati meccanici e idraulici, e con un paziente lavoro combinatorio reinventa marchingegni tanto assurdi quanto suggestivi. |
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